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西方古典音乐鉴赏 “古典”（Classic）一词源自拉丁文，原是典范、即奉古希腊（或罗马）为典范而加以模仿的意思。 人们有时把严肃音乐或艺术性音乐统统称为古典音乐，以同所谓“流行”音乐或娱乐性音乐相区别。“古典”的这一广义解释，把历史时期和风格全然撇开，因此，本来是属于不同时期和不同风格的音乐作品，例如，巴赫、贝多芬、柴科夫斯基以至于斯特拉文斯基的作品，都可以称为古典音乐。 音乐史上的古典时期基本上是属于器乐的，绝大多数作曲家的注意力都集中在器乐的体裁与形式，声乐的地位反而退居其次。敢于同大主教决裂的莫扎特，虽然在歌剧方面卓有贡献，他的器乐作品也是大量的。至于贝多芬，他纯粹是一位器乐作曲家，他以革命中的英雄作为作品的主人公，为此他有时也被称为革命的古典作曲家。古典主义的规范化确立了奏鸣曲、弦乐四重奏、协奏曲和交响曲等多乐章体裁和快板乐章奏鸣曲形式。古典风格作品中节奏与配器色彩灵活善变，而不是整乐章划一不变;古典作品中所有声部、甚至于演奏的力度，都由作曲家亲自写出和标明，而不是留给演奏者演奏时即兴处理。至于感情的表达，古典作品由于理性精神的影响，往往比较克制、沉着，而不是狂热的倾诉——从这方面着眼，巴罗克风格全然不同于古典主义，它反而更接近于后来的浪漫主义的精神。 西方古典音乐是西方文明中极为重要的一部分。西方古典音乐作品浩如烟海，而在我们的传统印象中，由于历史文化的原因，西方古典音乐难于欣赏，成为一种阳春白雪的高雅文化。其实，古典音乐中有许多脍炙人口的音乐作品、片段，在我们生活中为人们所喜闻乐见。霍夫曼曾说，“音乐是所有艺术中最富浪漫主义——几乎可以说是唯一的真正浪漫主义的艺术，因为它的唯一主题就是无限物。音乐向人类揭示了未知的王国，在这个世界中，人类抛弃所有明确的感情，沉浸在无法表达的渴望中。” 在欧洲艺术史上有两个重要的时期，古典主义时期和浪漫主义时期。前一个时期包括十八世纪最后的二十多年和十九世纪的前几十年;另一个时期在法国大革命引起的社会和政治变动的影响下，于十九世纪的第二个二十五年中形成。当时的浪漫主义真可为无孔不入，在文学界，建筑界，艺术界等各个领域中都涌现了一大批杰出的浪漫主义者。 在浪漫主义时期，随着工业革命的进行，钢琴也进行了改进，其自身采用了铸铁结构，琴弦也加粗了，这种钢琴能获得更浓厚和更辉煌的音乐，跟现在的钢琴开始接近。接下来，我用一个事实来证明这一点：如果李斯特的时代要求他有不同的表达方式，而且还因为这个时代为他提供了能产生不同效果的钢琴，这种钢琴在较早的时期是找不到。但这种比较我们只能在音乐文献中找到，在现实社会中已很难找到。 十九世纪的钢琴小品大师有奥地利的舒柏特、波兰的肖邦、匈牙利的李斯特、德国的舒曼、门德尔松、勃拉姆斯，以及他们的同代人——在发掘钢琴技术上的可能性与戏剧性方面显示了无穷无尽的独创性。总而言之，短小的抒情形式的出现，作曲家就会认为乐曲的大小不是艺术批评的标准，一首优美的，精心的创作的小型乐曲也能和一部交响乐相媲美。 一首完美的诗本身就是很完美的，不用需要有最高度的想象力。浪漫主义艺术歌曲的创造者将歌词与音乐结合得非常成功，正是由于这些音乐作品，有许多抒情诗才能得以幸存下来。 歌曲的结构可分为两大类。在分节歌形式（strophic form）中，诗的每一段或每一节都重复同样的旋律。这是民歌和通俗歌曲中很常见的结构。歌的第一段可能是讲述一个情人的期待，第二段是他见到爱人时的欢乐，第三段姑娘的父亲粗暴地将他们分离，第四段姑娘悲伤地死去，所有这些都用相同的曲调演唱。另一种形式德国人称作“durchkompoiert”，字面意思是“全面创作的”，就是说作曲过程贯穿全曲，没有整段的反复。还有一种中间的形式，它将分节歌中的反复和全创作歌曲的自由结合在一起，有两、三段重复同样的旋律，然后在需要时就引入新的旋律，一般来说都是在高潮部分引入。舒柏特脍炙人口的《小夜曲》就是这种结构的精彩范例。 尽管在各个时期（代）歌曲都处于显着的地位，但现在通过很多欧洲音乐文献记载知道艺术歌曲是浪漫主义时期的产物。艺术歌曲是在十九世纪初由诗歌与音乐相结合而创造出来的。舒柏特和他的后继者，著名的有舒曼和勃拉姻斯，使这种结合获得了如此完美的艺术效果，以致这种新风格以德文中的歌曲一词：Lied，闻名胜古迹欧洲。 艺术歌曲随着抒情诗的兴起而繁荣。抒情诗的兴起是德国浪漫主义出现的标志，艺术歌曲使浪漫主义时期将音乐和诗歌结合的愿望得以实现，它包括温柔的情感或戏剧性的民谣风格。艺术歌曲中最常采用的主题是爱情、期待、大自然的美和人生中短暂易逝的幸福。 钢琴在十九世纪作为普通乐器出现在欧洲，使浪漫主义艺术歌曲能够获得成功。钢琴的伴奏把诗中的形象变为音乐的形象。人声和钢琴共同创造出了富于情感的短小的抒情形式，这种形式对于业余爱好者和艺术家同样结合，也同样适合于在家庭里和音乐厅里演唱。在短时间内，艺术歌曲就获得了极大的普及，并对世界艺术做出了永久性的贡献。 标题音乐是带有文字或图画联想的器乐作品，这些联想的内容由乐曲的标题或说明性的注释来提示的。“标题”只是由作曲家自由加上去的。在当时那个年代里，音乐家敏锐地意识到了他们的艺术与周围世界的联系。这种意识促使用使他们的音乐更加接近于诗歌和绘画，并且使他们的作品涉及到当时的道德和政治问题。还促使他们以一种新的方法来探讨绝对音乐（纯音乐）的形式。 标题音乐在歌剧院中获得了最初的推动力。序曲作为歌剧（或戏剧）的引子，是单乐章令人兴奋的管弦乐曲。有许多歌剧序曲后来获得了像音乐会乐曲一样的普及，因而独立出来。这样便为一种歌剧没有关系的新式序曲开辟了道路。 标题音乐中有一种是为戏剧写的，也很有吸引力，通常由序曲和一组在幕间及重要场景演奏的乐曲组成，这就是配乐。十九世纪的作曲家创作出了许多这类的作品，这些作品的音画法（tone painting），性格化和剧场效果都是值得注意的。最成功的配乐作品，通常被改编成组曲。其中一些流传得非常广泛。例如，德国著名作曲家大师门德尔松为《仲夏夜之梦》所写的音乐就是这类音乐作品中的典范。随着十九世纪时间的推移，一种大型的管弦乐形式就越来越需要了，这种形式在浪漫主义时代将起的作用就像交响乐在古典时期起的作用一样。到十九世纪中叶，交响诗的创造迈出了这期待已久的一步。交响诗是十九世纪在大型器乐形式上做出一个有独创性的贡献。它是李斯特的成就，他在1848年首次使用了这个词。他的《前奏曲》是此音乐中最出名的范例。 交响诗是为管弦乐队而作的单乐章标题音乐作品，它通过段落之间的对比而发展诗意，使人联想起某种情景，或造成一种情绪。交响诗还有一个非常美丽的别称：音诗。交响诗与音乐会序曲有一点重要的不同，音乐会序曲一般保留传统的古典主义的构思，而交响诗在形式上则自由得多。交响诗的形式是为作曲家所需要的大型单乐章乐曲准备的“画布”。总之，交响诗在整个十九世纪后半叶中，成为标题管弦音乐的最精致的形式。 最后介绍标题音乐进入到绝对音乐的神圣领土——交响乐中。作曲家一方面尽力保留贝多芬的宏大的形式，同时又赋予它以文学内容。这样就出现了标题交响乐。著名的作品有法国作曲家柏辽兹的三部标题交响乐——《幻想交响曲》、《哈罗德在意大利》、《罗密欧与朱丽叶》、德国作曲家理查德·施特劳斯《阿尔卑斯山》、《家庭》和匈牙利作曲家李斯特的《浮士德》和《但丁》都是最著名的交响乐作品。 民族主义者和民族艺术家是站在一起的，但民族主义者以一种更自觉的方式肯定他的民族传统。在十九世纪的欧洲，那时的政治条件促进了民族主义的发展，使之达到了在浪漫主义运动成为决定性力量的程度。征服民族的傲慢和被征服民族为自由的斗争造成民族关系的紧张，使民族情绪上涨，这种情感在音乐中找到了理想的表达方式。浪漫主义作曲家用许多方式表现他们的民族主义。一些作曲家以他们民族的歌曲和舞曲作为音乐的基础，如肖邦以他的玛祖卡舞曲、李斯特以他的匈牙利狂想曲、德沃夏克以他的斯拉夫舞曲、格里格的挪威舞曲。一些作曲家以民间传说或以农民生活为基础写作戏剧性的作品，例如韦柏写的德国民间歌剧《自由射手》、斯美搭纳写的捷克民族歌剧《被出卖的新嫁娘》，同样，还有柴可夫斯基和里姻斯基·科萨科夫写的俄罗斯神话歌剧和芭蕾舞剧。还有一些作曲家写作交响诗和歌剧，歌颂民族英雄的功绩，历史事件或祖国的美景。柴可夫科斯基的《一八一二序曲》和斯美塔纳的《我的祖国》就是这股潮流的代表作;瓦格纳的音乐戏剧对德国神话和民间传说中的神和英雄加以颂扬，特别提到的是《尼伯龙的指环》（歌特式摇滚的先驱），这个剧本是以齐格菲的生死为中心题材的庞大史诗，它也是一个代表作。 民族主义作曲家常把自己的音乐与民族诗人或戏剧家的诗句结合起来，舒柏特为歌德的诗歌谱曲即属此类，还有格里格为易卜生的《皮尔·金特》所作的配乐，及柴可夫斯基的为普希金的戏剧为基础的歌剧。俄罗斯民族诗人普希金还激发了里姻斯基·科萨科夫和穆索尔斯基的创作灵感。在这种时期，民族主义作曲家能把人民的抱负以激动人心的方式表达出来，像威尔第在意大利为统一而奋斗时所作的那样，或是西贝柳斯在芬兰于十九世纪末为反抗俄国统治者而斗争时所做的那样。 民族主义音乐的政治含义触动了统治者。威尔第的歌剧不得不一再修改，以适合奥地利检查官的心意。芬兰在十九世纪末、二十世纪初要求独立时，西贝柳斯那带有令人振奋的号角声的音诗《芬兰颂》被沙皇禁演。民族主义为欧洲音乐的语汇中增加了极富魅力和活力的民族风格。由于把对祖国的热爱注入到音乐中去，民族主义使作曲家能够表达出千百万人民的心愿。总之，民族意识渗透到十九世纪欧洲精神的各个方面。没有民族意识，浪漫主义运动是难以想橡的。 在音乐、绘画和文学中的异国情调显现出遥远国度里别致的气氛和色彩。不同说，浪漫主义运动大大加强了这种倾向。在十九世纪，异国情调首先表现在北方民族思慕那南方的温暖和色彩，其次表现在西方追求东方那神话般的景象。前者推动德国、法国和俄国的作曲家在自己的作品中转而表现由意大利和西班牙引起的灵感。在这类众多作品中，有俄罗斯作曲家的几个著名作品：格林卡的两首《西班牙序曲》、柴可夫斯基的《意大利随想曲》和里姻斯基--科萨科夫的《西班牙主题随想曲》、德国贡献出门德尔松的《意大利交响曲》、沃尔夫的《意大利小夜曲》和理查德·施特劳斯的《致意大利》、法国作品有夏布里埃的《西班牙狂想曲》和拉罗的《西班牙交响曲》。值得一提的是比才的《卡门》也是这一领域中的杰作。 俄罗斯民族乐派使东方的魅力产生了国际性的影响。由于俄罗斯帝国与波斯接壤，这种异国情调实际上是民族主义的一种形式。亚洲神话般的背景渗透进俄罗斯的音乐。里姻斯基一科萨科夫绚丽的管弦乐作品《舍赫拉查达》及其歌剧《萨特阔》，鲍罗丁的歌剧《伊戈尔王子》和交响诗《在中亚细亚草原上》，伊波利托夫一伊万诺夫的《高加索素描》，这些都属于东方色彩的作品，这些作品至今还风行于全球。一些法国和意大利的作曲家也采用异国情调：如圣一桑的《参孙与达丽拉》，德利布的《拉克美》，马斯奈的《泰伊思》，威尔第的《阿伊达》，以及普契尼的歌剧《蝴蝶夫人》和《图兰多特》。 懂得欣赏西方古典音乐也是很重要的。最容易进入古典音乐的殿堂就是官能欣赏，即满足于音乐的直觉感受，也就是说你觉得音乐旋律优美动听或者有一定的振罕力，给人以力量，振奋精神。你认为是好的声音、好的音乐不必考虑其他的内涵。如果有一套较好音响，你就更爱听，听得轻松听得舒服，时间长了你就很快进入古典音乐的殿堂。再一进步就是古典音乐情感的欣赏，也就是通过感受音乐的各要素，体验、理解音乐的情感，在欣赏过程中，对音乐的节奏、旋律和声、音色、力度、速度、调式、曲式、织体加以了解分析，节奏常被比喻为音乐的骨架，节奏是音乐中重拍弱拍的周期性，有规律的重复进行，基本的节奏所表现的音乐风格我们应该要了解，如慢三、慢四一般表现抒情、优美，圆舞（快三）表活泼，进行曲表现有力量等;旋律也称曲调，高低起伏的音乐按一定的节奏有秩序地横向组织起来，我们在欣赏音乐的过程中思想一定要跟着旋律走，基本的感觉一定要找到，如水平进行时表现的是柔和和优美、宁静、级进和跳进时就是主题推向高潮，下行一般表现激烈转为平静;和声也称和弦的运用，一般欧洲古典音乐都是多声部的音乐，如果说旋律是横向进行，和声就是纵向进行的，如此以来，音乐就丰满起来，也有了气势;音乐力度、速度等这些要素我们可以适当学习一些音乐常识得以掌握，欧洲古典音乐作品的曲式、和声、织体是十分规范严谨的，我们可以运用这些知识去体验理解，再加自兴趣进入欧洲的古典音乐情感的欣赏也是不难实现的。 欣赏欧洲古典音乐最高层次是理智的欣赏，也就是说不仅体验、理解音乐的情感，还能对音乐作品的形式、内容、民族特征、社会价值和艺术价值等作出分析和评价。要想达到这个层次，我们必须了解欣赏欧洲古典音乐的三元素，即创作背景、演奏者的再创作;欣赏者自身的理解。欧洲古典的创作背景一般可分为四个时期：第一时期巴洛克时期，这个时期的代表人物有德国巴赫也称音乐之父，亨德尔也称清唱剧大师;意大利的维瓦尔弟等，这个时期的音乐风格旋律优美、柔和。第二时期是古典主义时期代表人物有海顿、莫扎特、贝多芬等，这个时期的音乐特征主题鲜明、有一定的冲突性。第三个时期是浪费主义和民族乐派，代表人物有德彪西舒曼、舒伯特、拉威尔、柴可夫斯基、斯美塔那、德沃夏克等，这个时期的音乐背景比较复杂，作曲形式多样化，音乐表现有些委婉、抽象，且有号召力，有鲜明的民族风格。第四个时期是近代主义乐派，代表人物有斯特莱文斯基、格什温、马勒等，作品特征和声配器丰富，旋律性不太强，内涵深，有的还带有爵士风味，这个时期的作品较难理解;欣赏者自身的理解是根据自身的文化层次对音乐的理解，音乐不同于其它学科，它反映的东西是比较模糊的，也比较抽象的，因此，可以充分发挥自己的想象力，例如，在欣赏柴可夫斯基《天鹅湖》的场景时，可以想象一群长着翅膀如少女在宁静的湖面上翩翩起舞、若影若现，也可想象一群天鹅在湖面上轻轻地、慢慢地游荡。总之发挥自己的想象，将三元素有机联系起来，多听著名作品，感觉是美的东西就去欣赏、去思考，就会进入欧洲古典音乐欣赏最高层次。 学习欧洲古典音乐，理解古典音乐，欣赏欧洲古典音乐，将给我们的生活增添无限的乐趣。 本类TOP10音乐欣赏论文(2803)音乐论文--音乐欣赏(2372)浅谈音乐欣赏中感情体验的基本要求 (1210)我的雷竞技raybet手机网页－浅谈声乐作品的二度创作(1185)音乐赏析论文(1089)威尔第与《茶花女》 (1074)音乐论文--如何去感受音乐、体验音乐、审美音乐？(826)中 国 音 乐 的 前 途——论现阶段中国音乐发展的两条道路及未来的方向 (699)音乐论文(666)论现代音乐 (625)

1908年 4月5日 卡拉扬出生于萨尔斯堡。卡拉扬的家庭并非音乐世家，但家人都热爱音乐。 1912年 卡拉扬4岁，跟随弗兰兹·列德文卡学习钢琴。但后来由于得了腱鞘炎而放弃。 1916年-1926年 于萨尔斯堡莫扎特音乐学院学习。钢琴师从弗兰兹·列德文卡，和声从弗兰兹·绍尔，作曲和室内乐则是博尔哈德·包恩伽特勒。正是后者鼓励卡拉扬成为指挥的。 1917年1月27日，第一次以钢琴家身份在莫扎特纪念日里登台演出。 1919年1月26日，在包恩伽特勒的伴奏下，以独奏家身份演奏协奏曲。 1926年 完成雷竞技raybet手机网页《热力学与内燃机》，于萨尔斯堡莫扎特音乐学院毕业。 1926年-1928年 于维也纳工业高校学习，同时也是维也纳大学音乐科学系学生。 1926年-1929年 于维也纳音乐与表演艺术学院学习。钢琴师从约瑟夫·霍夫曼，指挥师从亚历山大·温德尔和弗朗兹·绍克 1928年12月17日 在学生音乐会上指挥亚历山大·温德尔班学生乐队演奏罗西尼的威廉·退尔序曲。 1929年1月22日 在萨尔斯堡首次作为指挥家公开亮相，指挥莫扎特音乐学院乐团。乌尔姆市立剧院总监邀请他到自己的剧院试奏。 1929年4月19日 于萨尔斯堡节庆剧院里指挥理查·施特劳斯的歌剧莎乐美。 1929年-1934年 受聘为乌尔姆市立剧院指挥，1929年3月2日制作第一部歌剧费加罗的婚礼。莫扎特音乐学院国际基金会夏季课程指导。维也纳交响乐团客席指挥。 1933年 加入纳粹党。后来被定无罪。首次作为指挥在萨尔斯堡音乐节上登台。 1934年8月21日 在私人晚会上首次与维也纳爱乐乐团合作，演奏德彪西和拉威尔的作品。 1934年-1943年 受聘为亚琛市立剧院音乐会指挥和歌剧总监。 1935年4月12日 任命为亚琛市立剧院音乐总监（德国最年轻的音乐总监） 1937年6月1日 首次在维也纳国家歌剧院指挥瓦格纳的特里士坦与伊索尔德 卡拉扬指挥的瓦格纳作品集唱片封面1938年4月8日 首次和柏林爱乐乐团合作，指挥莫扎特，拉威尔和勃拉姆斯的作品 1938年7月26日 与女歌手艾米·霍格罗夫结婚。 1938年9月30日 在柏林国家歌剧院指挥贝多芬的费德里奥 1938年10月21日 指挥特里士坦与伊索尔德引起国际轰动，柏林音乐评论家评卡拉扬为"神奇的卡拉扬"。与德国唱片公司(Deutsche Grammophon Gesellschaft)签下第一份合约，但直到1943年才生效。第一个录音，莫扎特的魔笛序曲，乐团是柏林国立乐团。 1939年 同时被任命为柏林国立歌剧院乐队指挥和普鲁士国家乐团音乐会指导。 1940年2月18日 于柏林国家歌剧院，在理查·施特劳斯面前指挥其歌剧埃莱克特拉。 1942年 与安提拉·居特曼结婚。与亚琛和柏林国家歌剧院的合约过期。 1945年 于意大利的米兰等城市逗留 1946年1月12日 第一次战后音乐会，在维也纳爱乐之友协会与维也纳爱乐乐团合作。而在苏占区因其纳粹身份，禁止演出。与华尔特·李格开始合作。在萨尔斯堡音乐会上作助手。 1947年10月 首次与维也纳音乐之友协会歌唱协会合作。禁演令正式消除。11-12月两者合作为EMI录制贝多芬第九交响曲。 1948年 维也纳音乐之友协会歌唱协会终身艺术指导。参与萨尔斯堡音乐节（节目:格鲁克的奥菲欧与埃雨迪克，莫扎特的费加罗的婚礼，两场音乐会，节目是海顿,理查·施特劳斯,贝多芬，勃拉姆斯的作品，指挥维也纳爱乐乐团和维也纳音乐之友协会歌唱协会合唱团） 1948年-1953年 维也纳交响乐团首席指挥，同时在伦敦与爱乐乐团紧密合作。同时受到德国，意大利，瑞士，英国和奥地利等地乐团的委任。卢塞恩指挥班指导。 1948年-1968年 米兰史卡拉歌剧院常任客席指挥和德国演出季指导 1948年-1988年 卢塞恩国际音乐周合作者（1960年除外） 1949年 再度在萨尔斯堡音乐节上指挥威尔第和贝多芬的作品，指挥维也纳爱乐乐团和维也纳音乐之友协会歌唱协会合唱团。南美之行 1951年-1952年 登台拜鲁依特指挥瓦格纳作品《纽伦堡的名歌手》以及《尼贝龙根的指环》（部分），并由EMI录音。 1955年 接替去世的富特文格勒担任柏林爱乐乐团首席指挥。1956年被任命为终身首席指挥。与柏林爱乐首次美国之行 1956年-1960年 萨尔斯堡音乐节艺术指导 1957年 与柏林爱乐首次日本之行 1957年-1964年 维也纳国家歌剧院艺术指导 1958年 与爱利特·毛瑞特结婚 1959年 柏林爱乐，卡拉扬和德国唱片公司铁三角开始了长时间的合作，（第一个立体声录音：理查德·施特劳斯的英雄生涯）。秋季，与维也纳爱乐巡回印度，菲律宾，香港和美国。 1960年6月25日 女儿伊莎贝拉出生。维也纳爱乐是其监护人。 1963年10月15日 柏林爱乐大厅开幕音乐会，演奏贝多芬第9交响曲 1964年1月2日 女儿阿拉贝尔出生，柏林爱乐是其监护人。8月，被接纳为萨尔斯堡音乐节理事会成员。9月，与米兰斯卡拉歌剧院乐团首次到苏联演出。 1965年 开始在Unitel公司制作歌剧和音乐会录影，自己担任导演和指挥。和法国导演亨利·乔治·克里左合作。 1967年 创建萨尔斯堡复活节音乐会。3月19日开幕节目为瓦格纳的女武神。首次在纽约大都会歌剧院登台，导演指挥 女武神。 1968年 3月4日 获萨尔斯堡州指环。4月4日，获萨尔斯堡名誉市民称号。4月8日，获德国唱片公司金留声机。8月14日，成为萨尔斯堡大学荣誉理事。在柏林成立赫伯特·冯·卡拉扬基金，用于促进音乐感觉得科学研究。此基金还会推动一个指挥比赛和柏林爱乐乐队学院。 1969年 萨尔斯堡大学心理学院成立“赫伯特·冯·卡拉扬基金”实验音乐心理学学院。春季，与柏林爱乐的欧洲之行。在莫斯科，在肖斯塔柯维奇的面前指挥其第10交响曲。8月31日，获卢塞恩艺术奖。 1969年-1971年 获得巴黎管弦乐团咨询会内一职。 1973年 成立萨尔斯堡圣灵降临节音乐会。11月24日，成为柏林荣誉市民。 1977年 在慕尼黑获恩斯特·冯·西门子音乐奖 1978年 成为慕尼黑大学荣誉博士。5月12日，成为萨尔斯堡大学哲学博士。6月21日，成为牛津大学音乐博士。 1979年 10月13日 成为东京早稻田大学博士。同年10月,率领柏林爱乐乐团访问中国,演出莫扎特的《第三十九交响曲》、勃拉姆斯的《第一交响曲》和德沃夏克的《第八交响曲》等。卡拉扬的到访，是当时中国文化界一件盛事。 1981年 4月15日 成为CD数码音频系统的国际主席 12月1日 在重新开幕的莱比锡布商大厦（格万豪斯）指挥柏林爱乐 1982年 成立Telemodial公司，旨在记录卡拉扬的演出。3月2日，在伦敦因其录音马勒第9交响曲和前年的瓦格纳帕西法尔获得留声机大奖。 8月30日 柏林爱乐建团100周年音乐会（节目：莫扎特和贝多芬的作品）。 1983年 3月 获伦敦爱乐协会金牌提名，1984年获奖。 4月5日 75岁大寿，获得很多奖项（德国唱片奖，金唱片） 10月 获得UNESCO的国际音乐奖 1984年 首次录影贝多芬九首交响曲 1985年 6月29日 在梵蒂冈圣伯多禄大教堂于教宗若望·保禄二世前指挥维也纳爱乐演奏莫扎特的加冕大弥撒,由Telemodial录影，并全世界转播。 1986年 1月25/26日 威尔海姆·富特文格勒诞辰100周年纪念音乐会。6月 在雅典获奥林匹亚奖。 1987年 1月1日 指挥新年音乐会，世界直播。3月1日，柏林建城750年开幕音乐会。10月28日 柏林爱乐厅室内乐馆开幕音乐会。 1988年 80大寿，获得无数奖项。德国唱片公司以其妻爱利特·冯·卡拉扬的画作为封面，发行卡拉扬100杰作。4月-5月，最后一次日本之行。10月 与柏林爱乐作欧洲之行。 1989年 2月 与维也纳爱乐在纽约最后一次演出。7月16日 在排练威尔第歌剧假面舞会时因心脏病发逝世。

综合前人研究威尔第《奥赛罗》的文章来看,其关注角度各有不同。传统的研究角度一般对歌剧台本和音乐本体进行细致地分析。近年来,一些学者从崭新的角度对这一经典歌剧进行了新的解读利研究。如2010年武汉音乐学院音乐学系梁大鹏的raybet雷竞技客户端下载v1《德、意浪漫主义歌剧的美学分野——以瓦格纳的和威尔第的为例》此篇论文将威尔第的《奥赛罗》与同时期作曲家瓦格纳的作品进行对比,详述了同一时代背景下威尔第创作的特点。2009年西安音乐学院声歌系庞洁的硕士雷竞技raybet手机网页《从苔丝特蒙娜的音乐及唱段诠释看威尔第歌剧创作中殊途同归的女性命运》则从不同女性角色命运的归属进行了研究,并未对《杨柳之歌》的演唱要点进行研究。此外,由于《奥赛罗》此剧剧本出自莎士比亚之手,所以有相关的类比和对比研究台本在话剧利歌剧领域的异同的文章也很多,如《齐鲁文艺》2002年第2期闰笑雨《：从话剧名作到歌剧脚本》、《音乐艺术》2002年第1期董放《从歌剧到话剧—歌剧台本莎剧的比较研究》等等。2006年首都师范大学音乐系张桂芝的硕士雷竞技raybet手机网页《威尔第歌剧中黛丝德蒙娜的人物及唱段分析》对剧情以及黛丝德蒙娜唱段进行了细致的分析,但并未对《杨柳之歌》的演唱技巧及其特殊性进行阐述。本文选题的意义是在前人的研究基础上,从声乐的角度探讨威尔第《奥赛罗》黛丝德蒙娜唱段的声音处理特点以及特殊的戏剧化表现。由于篇幅的限制,本文所着重探讨的是歌剧第四幕开场女主人公所演唱的宣叙调以及《杨柳之歌》(Salce,Salce!)和《圣母颂》(AveMaria),笔者将其作为一个整体进行歌剧表演和音乐本体的双重分析,以增强对这一场景整体性的研究和把控。这三首歌曲如同三联画,在塑造歌剧场景上是不可分割的整体。作为一个歌剧演唱者,本文还从其相关背景、舞台表演、音乐本体分析、演唱技巧四个方向对其进行了较为全面的剖析,为更加深入地把握角色演绎做基础性的研究。本文认为,在演绎《杨柳之歌》之前,找出歌曲整体风格的特殊之处,透彻的研究剧本、分析音乐本体,从整体上去理解歌剧文化背景,注意歌唱的每一个细节,从而跨越中西方文明的界限将艺术作品的蕴味传递到每个听众的心灵,是演唱好此经典唱段的关键。