热心网友小王
还是多多努力学习吧,既然选择了
近十年来,关于美学学科定位的讨论不知不觉成为了一个热门的话题,包括蒋孔阳、阎国忠等一些美学界的权威人士也都发表了自己的一些看法,在这种表面的学术繁荣背后,人们不难看到美学所处的尴尬处境,一门学科,沦落到要为自己去争一席之位的地步,他就不得不承认自己暂时还没有地位。所以,美学依然还是要呐喊,就像妇女解放运动依然还是在进行一样。只不过笔者认为更加亟待呐喊的是美学的研究态度问题,因为只有研究这门学科的人摆正了学习态度,学科的危机感才会自然而然的消除。但是目前的情况并不乐观。这种现象的产生,在相当程度上与美学本身的理论性和思辨性以及其缺乏时效的实用性有关。正如法国学者布尔迪约和帕斯隆所说的:“社会方面的有利与不利因素都对学习过程产生着巨大影响。”[1] 不可否认,中国社会的转型已经极大地改变了文化活动的生产、传播与消费方式,消费者的艺术接受日益休闲化与日常生活化。这些感性诱惑力更大的文化形式当然更容易得到大学生们的青睐。另一方面,高校扩招以来,大学生们面临着强大的就业竞争压力,可以说,学生们关注得更多的不是美学理论的研究,而是学习这门学科能给自己带来哪些实质性的利益。在此,笔者从中西方传统思维的差异之一出发,即所谓西方人重“理论”,东方人重“实用”,以及这种差异是如何引领了中西方不同的历史,并试图以此来端正目前美学学科的学习态度。首先,从自然科学来看。古希腊人不讲实用,有时甚至会为了理论而理论。如我们都很熟悉的芝诺的运动悖论之一:“阿基里斯追不上乌龟”(阿基里斯是当时全希腊跑得最快的人)。这一命题,凡是有正常思维能力的人或是稍微还有一点常识的人一看便知是错误的,然而,从亚里士多德至今,多少科学家都试图指出芝诺的论证错误,可总是无法彻底驳倒,而它却又总是让人饶有兴趣并锲而不舍的去探究。为什么会这样呢,难道是其中有“黄金屋”或是“颜如玉”?中国人传统的定向思维可能会不自觉地引领我们去这么思考,可历史告诉我们,他们这么做仅仅是为了追求真理,是为理论而理论,为科学而科学。而古代中国的学术研究动力则主要来自于实用。例如,中国的四大发明家就都是实用性的。古代的天、农、医、数四大科学所涉及的研究领域也大都来源于实际需要。学科体系也表现为实用知识的堆积,天文学则偏重于用天象去说明封建制度和编写修订历法;数学偏重应用题的解答,《九章算术》实际上是一本应用习题集。只有《黄帝内经》作为理论基础一直指导着中医学的发展,至今未被西医取代,这也正好从另一方面说明了理论科学地优越性及其强大的生命力,但凭此势单力薄终究代表不了中国传统文化的主流,也改变不了中国的历史。依然记得当罗马入侵舒拉古时,面对愚昧无知、凶残的罗马士兵,阿基米德的那一声响彻世纪的怒喝:“滚开,别踩坏了我的圆。”我的圆,就是我的生命,是比肉体生命更为珍贵的东西。“也许,中国人爱‘算’和希腊人爱‘图’,这仅仅是一种历史的偶然选择。然而,爱‘算’的中国人最终走上了一条使用技术的道路,而爱‘图’的希腊人走上了一条理论科学地道路,这决不会是偶然。因为,从通常人类的心理来看,爱“算”者必然现实,而爱“图”者更爱幻想。” [2]古希腊人,或者说西方的哲学家、科学家对于理论及其体系的执著是我们所无法想象的,因而,中国没有为了自己坚信的科学理论而献身的布鲁诺,没有倾其所有致力于天文学而最终在贫病交困中去世的开普勒,也没有由于发现了与当时“正统观点”相悖的人体肺循环,而被文火慢慢烤死的塞尔维特……我们有的只是在科举制度下,醉心于科举,埋头于八股,“学而优则仕”的秀才和状元们。因为在中国古代,科学技术一直被统治者视为“奇技淫巧”,受到歧视与打击,这种政治社会环境必然造成重道轻器的思维倾向,使中国的传统思维方式具有政治实用性的特征。其次,从哲学上来看。哲学作为人的自我意识理论,都是作为人而有的生存、生活、处事的态度、观点和追求而存在的。她是表达人生、人性、人的理想追求的自觉理论。无论西方还是东方,哲学的基点都在人的生命活动中,二者的差别只是表达方式的不同,而这些不同却也体现了中西思维的这一差异。西方哲学从古至今一直都是探讨“世界是怎样的”,“我是谁”这些问题,从泰勒斯提出水是世界的本原到毕达哥拉斯的数即万物,从叔本华的唯意志论、尼采的超人哲学,到萨特的存在主义和海德格尔对“此在”的探讨,西方学者们追究宇宙起源,探索万物本质,诘问人生目的,重视本体论、认识论和方法论,探索哲理,为求知而从事学术,并无任何实用目的。而中国传统哲学总是从人与人的关系和人与物的内在联系中去思考社会伦理关系是否正确,即使有时也谈天说地,其目的也在于“究天人之际,通古今之变”。即使是提倡“无为”的老子在阐述自己的思想时,也只是为解释社会政治问题提供例证,因而从自然现象寻求相应的启示。虽然涉及到不少自然现象和自然规律,但“不过是自然以明人事而已,并非对自然知识的真正研究或总结” [3] 而作为统治中国几千年的儒家思想的创始人——孔子,他的哲学则以“仁”、“礼”为中心,“仁”寻求人伦关系规范化,“礼”寻求社会有序化,思维的中心在于伦常治道,在于确立和论证君臣之义、父子之亲、夫妇之别、长幼之序、朋友之信,维护人伦关系是为了维护君臣关系和封建专制,最终为了安邦治国政治目的。所以说:“从自然界的起源,进而探究到人类社会及其政治制度,……这恐怕是中国民族思维的主要脉络。”[4]这也应该说是中国传统思维实用性特征的一个表现。我们应该反思一下中西思维的这一显著差异性。这也就是为什么在历史一直不曾中断的中国古代史上始终没有出现像西方那种从根本上反对“正统思想” 的文艺复兴。而反而在一直动荡的欧洲,在中世纪后期,西方人接受了来自中国,阿拉伯的东方科学文化,并重新发现了古希腊的科学,从而开始文艺复兴,建立近代科学。这就是理论的魅力,只是一个的理论猜想就能激发牛顿最终发现经典力学三大定律,而门捷列夫关于元素周期律的理论猜想更是启发了一代代的化学家们发现了更多的化学元素,自然科学是这样发展的,社会科学也是这样发展的……最后,我们来看看这种差异是如何淋漓尽致的体现在现代美学上的吧。美学发展到今天,为什么还要在为自己争一席之位而奔波呐喊,笔者看来也是因为中国传统思维的实用性所造成的,因为美学在这个物欲横流的经济社会中实在是缺乏实用价值,他无法像自然科学那样直接运用于物质生产创造物质财富,也无法像文学那样快速高产从而收获物质财富,因而中国的美学在今天实际上也走上了一条重实用的道路:她虽然无法像心理学那样在医院设一个部门专门解决人的心理问题,但是她却可以在大学的某个学院成立心理学美学,从哲学的高度来研究人的心理;他虽然不能像工业设计那样直接参与设计研究,但是却可以建立一门工业设计美学,专门研究如何使设计更符合美的标准(虽然这是工业设计学科本身就已经涉及的内容);她虽然不能像服装设计学一样去进行实际的设计操作,却成立了一门服饰美学。类似的还有烹饪美学、教育美学、语言艺术美学、戏剧美学、影视美学、舞蹈美学、音乐美学、园林美学、甚至还有口腔审美学。这些好像一夜之间发展起来的美学学科当然可以证明在物质生活日益丰富的时代,人们对“美”的追求已经渗入到生活的各个领域,也可以说这是社会主义精神文明发展的一个表现。正如李泽厚先生所认为的:“已经没有任何统一的美学或单一的美学。” [5]这样看来美学好像是又迎来了自己的一个黄金时代。然而,作为美学研究者,我们不能被这些琳琅满目的实用性学科蒙蔽了双眼,应该看到,在这么多的美学分类学科后面,始终离不开哲学美学的理论支持,因为美学是一个整体,而这些应用美学则是这个整体的方方面面,如果把美学比喻成一棵树,那么她的这些应用学科就是这棵参天大树上的一些枝枝杈杈,枝杈是永远离不开她的根的,而根就是我们说的哲学理论。这就是为什么美学史上最重要的著作和思想仍然是哲学理论著作,因为它深刻的涉及了人类存在的基本价值、结构等一系列根本问题。让我们来看看20世纪西方是一些什么美学吧:分析美学、试验心理学美学、表现主义美学、存在主义美学、结构主义美学……哪一个不是有自己的理论体系,并且在世界文化历史长河中闪耀着自己永不暗淡的光芒呢?我想这应该是口腔审美学永远也做不到的吧。美学是绝对有其理论优越性的。纵观中国美学史上几次变迁,不由得感慨中国美学的苦中作乐、死里逃生。美学经由日本传到中国是在上个世纪二十世纪初。王国维是最早弘扬美学的学者,他的美学思想深受康德、叔本华的影响。王国维认为,生活的本质是“欲”。追求欲望必然带来痛苦,要摆脱这种生活之欲带来的痛苦,只有求助于美和艺术。“故艺术之为物,欲者不观,观者不欲……”[6] 蔡元培于1917年,在北京神州学会发表题为《以美育代宗教说》的讲演。在这以后,一直到1940年逝世,蔡先生不断地写文章,作演讲,大力提倡美育,把 “以美育代宗教”作为自己一生中的重大课题。可以看到,中国美学阵容从诞生之日起是势单力薄的,但是对于美学问题的追问却激活了一代又一代人的情感和智慧。1956年的“美学大讨论”应该说是1949年到1966年之间难得的一场相对自由且较具学术性的讨论,在新中国五十年的学术史上,这次美学讨论是唯一一次较少受政治教条干扰、在有限范围内进行的真正的学术性讨论。应当承认,美学虽然在当时的人文学科中是独领风骚的,这是由于当时学术思想空间的逼仄于贫乏,以致很多被视为异端的思想似乎只能借美学来曲折的表达。“当巴人因为一篇《论人情》的小文被批得死去活来时,朱却可以继续在美学中将人性、人情。1979年,他发表《关于人性、人道主义、人情味和共同美感问题》径直把人性称为“人类得自然本性”,它与阶级性得关系是‘共性与特殊性或全体与部分得关系’。这在当时差不多是石破天惊之论。”[7]然而,不管是由于客观的社会原因,还是由于美学学科的独特性,一个不可争的事实是:正是美学,在那个学术思想空间逼仄的时代奇迹般的存活了,并保存了人文学术的不中断。可见,美学从作为一门理论学科上来讲,有他存在的理由,以及其强大的生存能力和广阔的生存空间。不可否认,从哲学出发去研究美学,不会那么直接快速的获取实利,也不可否认,现代生活的花花世界使一些学术研究者失去了对抽象思辨的兴趣,但如果没有学术理论来汲取养料,美学又怎么能茁壮成长、开枝散叶呢?唯一的后果只是在这些应用学科中慢慢湮灭。“文学既然顽固存在着,文艺学的对象就是文学事实、文学问题和文学活动,文艺学可能随着这些事实、问题和活动的变化而变化,但无论如何变,都不会把文学抛弃掉,而去钟情什么‘日常生活的审美化’。” [8] 这是童庆炳先生为文学理论的呐喊,同样,笔者在此也要为作为美学理论基点的哲学而呐喊,我们今天提倡哲学的主体位置,笔者只是觉得在人类生活日益物质化的现代世界,我们不能一味的谋求学术的实用性,至少暂时不要关注其实利性,那都是研究以后依你的研究成果的成功度来自己实现的,作为美学的学习者更应该看到其哲学理论的强大魅力及其顽强的生命力,适时的端正我们的研究态度。人类需要审美,这也就是为了通过对自我的突破,从而解放出被压抑的深层的情感,使自身的本来面目完整而自由的呈现出来。“审美的真实就是为了让人们看看真实的自我。” [9]在物质生活日益丰富的今天,我们依然崇尚那如醉如狂的酒神精神,依然追求那内心冥寂、与时而动、与物而化、无所不适的逍遥游。美学给人们创造了一个精神家园,她是陶冶人的灵魂,抒发人的性情,美化人的精神生活的圣地。这片圣地给与了我们精神的享受,也同样需要我们去用心守护。
随着国内服装设计 教育 的发展,学院专业教育已经成为连接服装产业和设计人才之间的重要纽带,服装设计人才的培养为我国服装产业可持续发展不断注入新鲜血液。下面是我为大家整理的浅谈服装设计论文 范文 ,供大家参考。
《 谈谈舞台服装设计 》
摘要:本文主要从舞台服装的历史背景开始谈起,舞台服与消费者日常着装不同,舞台服要表现剧本内容,考虑剧情渲染。它不同于生活装也不同于流行时装。舞台服有它独有的特征和舞台审美需要。舞台服装特征是多角度,深层次的。
关键词:舞台 服装 造型 材料 表现
中图分类号:G712 文献标识码:A DOI:
1 引言
在古希腊戏剧演出时,演员戴着色彩绚丽的 脸谱 ,穿厚底的靴子,采用标志性图案的衣服和裤子起到夸张人体的效果。观众距舞台很远,也能看清角色。现代戏剧及舞台美术的设计思想不断变革,为写实、非写实的舞台服装设计者开创了各自的广阔天地。
2 舞台服装的内容
舞台服装一般分人物服装、演员服装两大类。舞台服装不同于时装或生活服装。舞台服装有着自身剧情需要。首先就是它的美化效果,其次是时代效果,再次是服务效果。 由此可见,舞台服装是多元化的,需要从事舞台服装设计师深刻领悟,才能设计出广大戏剧 爱好 者喜欢,又符合剧情需要的经典作品。
3 设计舞台服装的的四个要素
我们知道,时装设计师多是依靠个人思维和主观性进行服装造型、色彩变化、面料改造。而舞台服装设计师却要受到很多客观因素的制约,影响舞台服装设计四个要素:剧本、导演、演员、舞台。
舞台服装设计之前,设计师必须反复阅读剧本,通过揣摩和分析渐渐转化为人物形象,并通过服装语言表现出来。人物信息研究,让人印象深刻过目不忘的舞台服装,具有标志性和代表性。准确、深刻表达是对剧本,角色的诠释。好的舞台服装直接关系到一个剧目是否成功。
不同的导演执导下,应有不同的构思。由于导演人生经历不同,受到东西方 文化 影响,审美自然各有千秋,各有喜好。舞台服装设计师应随机应变,适应不同风格的导演。沟通、磨合、聆听,阐述自己的设计理念与表现手法。利用一切技术处理手法,结合导演对剧本的要求,可以造型夸张变形,色彩多样丰富甚至怪诞。新版《红楼梦》的服装设计就是一个很好的例子。结合导演理念,加入中国戏剧的元素,创造出全新的舞台服装。
演员是舞台表现的灵魂,形象、性格、气质与学识构成了他的个人魅力。舞台服装符合剧情,导演也欣赏,但是未必合适演员的形象特质。服装与演员良好的结合,是舞台服装设计必须思考的问题。杨丽萍《孔雀》舞剧,结合她的纤细形体,加入夸张的色彩,以及舞蹈特有的动物元素,设计出来的舞台服装产生了强烈视觉冲击力,是设计作品的典范。
以“舞台”为标的物的设计,舞台设备、灯光、布幕、音响、演出道具。它们影响着角色的外部形象,没有光的配合,整个演出将会黯然失色,平淡而无味。舞台布景需要灯光来渲染气氛。在2013年cctv 春节 晚会的舞台表现中,加入大量的灯光设计,同时配合情景服装,给了全国人民一个全新的视觉享受。
4 舞台服装设计中材料的运用
服装材料,可以各种全新的面貌出现。柔软型面料可任意塑形,产生的线条柔顺,优美。硬挺爽型面料制作的服装立体丰满,外形膨胀,视觉面积大。光泽型面料在灯光的照射下发出七彩的光芒,炫目灵动。透明型面料质地轻薄而通透,具有优雅而神秘的艺术效果。
打破常规的服装选材,运用人工合成材料。如建筑材料的使用;有石头、木材、金属条、各色玻璃等。包装材料的使用;卡纸、塑料、喷画等。植物材料的使用;新鲜的花朵,风干的花束,植物的根茎,树叶等都是很好的舞台服装选材。对面料进行改造,运用材料的多次缝制粘贴及 刺绣 色彩的搭配,化学腐蚀抽纱烂花改变面料的质感。使面料形成不规则,不对称,不完整的破烂质感,会给观赏者产生意想不到的视觉冲击,具有超现实主义的意味。
5 舞台服装设计中解构主义的表现
从结构到解构,是时代发展审美的新趋势。因为它充满个性,富有生机,聚集表现力受到推崇。解构主义是建立在对传统空间结构的怀疑基础上,设计重新分解,完全背离服装人为的穿着理念,变构重建从独立的艺术品的角度去考虑舞台服装设计的理念。毫不犹豫的摧毁传统,以现实感、随意感,以自由的心态,采用扭曲变形,折皱拼接进行混搭。使舞台更具活力,表现更有张力。同时加入建筑、雕塑的空间元素,脱离服装原有的人体工程结构,看似凌乱无形,却充满强烈的生命力。服装体积巨大,外形怪诞的解构主义设计更能在舞台上独树一帜,受到观众的喜爱。
6 舞台服装发展现状及趋势
舞台服装设计的现状,舞台美术设计从简单幕布式搭台布景,到立体化实物化并运用各色幻灯和电子激光,逐渐形成舞台设计的潮流。以往舞台服装单调的款式、过时的色彩、保守的造型,都不能满足现在舞台美术设计的需要。多样性、时尚感的创新意识,融合社会 热点 话题,将娱乐大事件、影视大片等观众关注的内容融入服装设计理念中,对创作意图至关重要。观众能直观的欣赏到更为前沿的流行元素,使舞台服装融入舞台剧中。
目前国外已经有很多著名品牌的企业生产舞台服装。而在中国单独设计生产舞台服装的公司却寥寥无几,大多数为小型工作室制作完成,缺乏系统完善的品牌竞争。我国舞台服装无论是在艺术表现力还是美感上远远不及欧、美、日、韩等国。发展我国的舞台服装设计要结合中国元素。我国由多民族组成,设计素材源源不断,坚持特色文化并可借鉴国际化的理念。总之,舞台服装设计要有超前的设计理念,同时对发展实用类服装起到了导航推动作用。这种推动作用将是众多服装设计的风向标。
参考文献:
[1]希弗瑞特.时装设计元素:调研与设计[M].中国纺织出版社,2009.
[2]潘健华.舞台服装设计与技术[M].文化艺术出版社,2000.
[3]吕志昌.影视服装设计[M].中国传媒大学出版社,2009.
[4]马蓉.服装创意与构造 方法 [M].重庆大学出版社,2007.
《 如何进行服装设计 》
穿什么衣服才美?服装设计师有一句 名言 “能烘托你的自然美,又能适当掩盖你的不足的衣服,就是适合你穿的美的款式。”这就告诉我们服装美的一个重要的因素,即要根据每个人的“个性”来设计,选择“得体”的衣服。
一、服装的造型美
服装的整体造型,即服装的轮廓,来源于人体,是外部造型同内部结构有机的结合,它是服装的总体风格。根据现代服装的流行趋势,设计师们在表现人体自然美突出个性追求的基础上,通过夸张修饰,调节服装的肩宽、胸围、腰围、臀围、衣长等,从而形成风格各异的造型效果,通常有以下几种造型风格。
X型,是以人体肩宽,腰细,臀围大的特征,而设计的贴合人体曲线的服装,充分体现女性姿态的自然,这种造型被人们广泛地接受,也是连衣裙的主型,适合理想体型的人穿着。
A型 ,通过分割、修饰肩宽、夸张下摆,整体造型上窄下宽,如由四片、六片或八片上下大裁片衣缝合的喇叭裙。这种造型稳重、端庄、走路时,线条自然变化无穷,给人以飘逸之感,受到青年女士的青睐,适合于臀部较窄的人穿着。
H型,通过放宽腰围,从肩端处直线垂下,具有整洁、利落、轻松随和、自由的感觉。穿着这种造型的连衣裙,走路时,裙身与腰部,臀部若离若现,产生一种朦胧美,韵味顿生,腰围大的人穿着,能掩盖其缺陷。
T型,采取夸张肩部及袖山,然后向臀部方向收拢,装饰上身,简洁下身,增强了挺拔感,使优柔的女性,增添了男子的洒脱,阳刚之俊。
二、服装的形式美
人体有美的,也有不美的,上帝没有给每个人都造成一个理想的身姿,服装美通过形式美的规律来表现人体的自然美,运用比例,均衡,分割,视错等到来弥补体型不匀称的缺陷,使穿着趋近于比例美。
统一与变化,统一与变化是构成形式美的主要规律之一。
统一在服装上主要指型、色、面料相互协调和谐。
变化造成一显著对比的感觉,其特点是生动、活泼、有动感。变化手法很多,常见的有省道的转换与分割,不同原料的搭配利用等。
统一必须适度,否则就会千篇一律,缺乏生气,在变化中求统一,统一中求变化,平中求奇,使两者有机地结合起来,服装才有生气。
对称与均衡,有服装设计的过程中,最常用的手法是将对称与均衡综合运用,即能取得稳重、活泼的艺术效果,在对称中变化而产生动感。
视错是指在某种情况下,使人的视觉造成与外界事实不一致的感觉。通过点、线、面的装饰及分割,把人们的视线引向一方,突出其长处,遮掩短处,达到趋近于比例美的效果。
旋律,主要指服装各种工艺线和色彩,有规律,有组织节奏变化,引诱目光可以产生旋律感,目光从一方移动到另一方,使造型上有运动效果。
三、款式,色彩与体型的和谐美
面孔,在设计上起着焦点的作用,领子是最易于吸引人们视线的部位,它的造型,直接影响着面孔。
例如,圆脸型的人,不宜穿一字领,圆领或领上有花边的上衣,因为,水平线把注意力吸引致横向,产生宽大的感觉,瘦脸型的人不宜穿领口长而尖的“V”型领,或长驳头西服领。因为这种领型引起的视错,会使人感觉到脸型越加瘦长。又如,身材高瘦的人,要减少直线分割或常有直条的图案,套裙会增加你的宽感,使你体态匀称,倘若上下略有色差,效果更佳。瘦人不宜穿过紧或过松衣服,穿连衣裙最好有腰带,袖子采用泡泡袖,胸部用花边做些修饰,臀围小的人宜穿百褶裙,在圆摆裙,有丰满之感。
胖人的款式要简洁,繁杂多样会显得臃肿,对于横向线条,图案及灯笼袖,蝴蝶领结,领花边,过量的衣褶,都应避免使用,上下身不能使用强烈的对比色,否则,上下身分成两段,显得越加短胖。
为了表现体型,突出个性,选择颜色很有讲究。红黄橙几种有代表性的暖色,有兴奋、热烈、温暖的感觉,它能给人的精神振奋之感,因此,适合于冬季服装。黄色调的服装,皮肤细白的穿着,能产生极好的效果,如果肤色比较粗黑,色感应选择较深沉的土黄色,或黄灰色。深绿、青、紫等到冷色,有沉静,高雅的感觉,适合于夏季服装,绿色调服装,肤色较黄或较黑的人穿着,会产生单调感,而孔雀绿,橄榄绿,暗灰绿则可以广泛用于服装中,青色是希望,智慧的象征,适合我国人民的肤色。
暖色,明快热烈,有扩张之感,冷色,沉着,稳重,有收缩之感,有服装的配色中,要很好了解色彩,在什么时候和什么条件下能发生的作用。一般说,深色有收缩感,浅色有膨胀感,体瘦的不宜穿深色和冷色的衣服。反之,体胖的人不宜穿浅色和暖色的衣服。任何肤色穿白色和浅色衣服,效果都比较好,因为它反光,使你的脸更富有色彩,具有生气。
黑、白、灰三处无彩色,在服装中被广泛运用。白色,象征着纯洁,朴素。白色与个性强烈的颜色拼在一起,会显得活泼,年轻与泼辣;黑色,坚实,庄重,黑色服装更有精神,表现出摩登与高雅;灰色,象征着中庸、温和。在服装上与艳丽的色彩配合,既能起到稳定色彩跳耀的效果,又能衬托其色彩,更加漂亮,如灰色常有色彩倾向,显得格外高雅。
四、服装的装饰美
服装造型本身就是一种装饰,它来源于人体,又能改造人体。
省道在造型中具有重要地位,如肩省、腋下省、腰省等,它的作用表现为适应人体曲线变化的需要,同时又可以利用省道的变化,获得造型上的分割效果,起到装饰的作用,这里介绍几种常用的装饰方法:
扎明线,是利用线的粗细和变化,起到装饰效果,它有一种流畅、明快、典雅的感觉。
打褶裥,采用不同褶裥打法,能产生动与静的感觉。如对褶,有一种静止,稳定的感觉,而百褶和飞边,便产生一种动感。褶裥在服装上,不但便于人们活动,而且直接产生富有无穷变化的线,形成不同的扇面,时合时张,富有情趣。
补绣、刺绣,补绣,也叫“贴布绣”,是利用零碎布料拼成各种图案。这种效果,概括简洁、装饰性很强,刺绣的手法很多,不同技巧者有独到之处,采用的面料不同,其效果也不一样。
手绘,在服装上,用不同的涂料,染料手工绘制,多彩用中 国画 的一些技法,如:工笔、写意等,其特点是色泽质朴清淡,浓郁雅丽,浓淡变化无穷,其效果是手工印花和机印无法达到的。
此外还有镶色、镶花边、镶条等到多种手法。现在人们更加注意腰带的装饰性。一套新颖的裙装,系上合适的彩带,使人体外形富有曲线,充满活力,会显得更加窈窕多姿,并能使人体的比例得到调节,倍添美感。
纽扣,它不但有着实用性,还起到画龙点睛的作用,有人称它是服装的眼睛,你千万不能忽视其作用。
五、服装的朦胧美和流行美
服装的魅力,表现在似露非露之间,给人以联想,产生一种美感。
在款式的表现上,如直身裙和一些宽松裙装,造型上,从肩端处直线垂下,似乎没有表现出人体的形体美,但随着人体的活动,柔软宽松的衣裙,与肉体若离若现,使形体间接地显露出来,便会产生一种朦胧感,又如旗袍是以人体结构为基础的紧身式,穿着之后,随着人体的起伏形成清晰流畅的曲线,随着活动,使旗袍一张一合。把腿部处理在露与不露之间,显露出的腿部线条,把人的视线移向整个腿部,产生一种特殊的韵味。
服装的流行美,符合了时代的潮流。服装随着科学文化的进步,制衣工业的发展,与人们求新的心理需求而变化,流行着。它也受到世界重大事件的直接影响。
服装变化总有一个起主导作用的基调。如裙装,这几年流行长裙。过几年又流行短裙,不是紧身,就是宽松。这是因为人们都穿式样近似的衣服,就会产生厌倦心理,为了脱俗,人们就开始寻求另一种式样,一旦这种式样普遍被人们效仿,就会继而流行。
随着社会的变革,妇女要求同男性一样,在社会上奋斗,拼博,追求,表现出男性的某些气质和风度。同样,服装也受到这种影响,女性服装开始追求男性化。
人们使自己爱美的心理得到满足,推动着服装设计周而复始地变化着,流行着,流行美就在这个潮流的和谐之中。
为使你穿的仪表堂堂,更好地体现出女性富有的魅力,让我们怀着美好的心灵,来进行美的探索,美的追求吧!
参考文献
[1]王蕴强,马玖成.色彩・服装与美.北京:中国轻工业出版社,
《 浅谈服装设计风格 》
摘要:本文对服装设计风格先作源头阐述,再结合大师作品对该类设计风格进行分析,试图从文化、艺术角度挖掘服装设计的风格与内涵,并赋予其实用价值。
关键词:设计;风格;服饰
作者简介:黄鼎奇(),男,辽宁沈阳人,沈阳师范大学工程技术学院副教授,硕士研究生导师。
[中图分类号]:J523[文献标识码]:A
[ 文章 编号]:1002-2139(2011)-21-0126-01
服装设计风格是指服装设计作品从总体上看,在内容和形式等方面都达到了统一的效果,其外观造型独特、新颖,具有很强的艺术感染力和鲜明的时代特征。纵观世界流行服饰史,服装设计风格可以说多种多样。如:东方风格、古典风格等等。风格经过历史及审美的积淀,具有一定的成熟性,它不会随着时间的流逝而消失,而经典的服装风格将永存。当今服装发展最显著特点就是风格多元化,因此作为现代服装艺术的诠释者,要充分了解各种服装的风格与内涵,这样才能创作出风格独特的作品。
一、东方风格
主体印象:给人以自然、朴素、含蓄的服饰印象。
东方风格主要是指以中国为代表的东方服饰文化为背景的时装主题。东方文化艺术历史悠久、源远流长,如:中国的书法、绘画,日本的书道、浮世绘等艺术形式都具有深远的影响。就服饰造型形态而言也是非常丰富的,典型的式样有中国的唐装、旗袍,日本的和服,印度的沙丽等。如:日本时装设计师三宅一生是一位具有东方情愫的服装艺术大师,他的设计充满东方的禅意,张扬着鲜明的日本民族精神,融合了东西方文化之精髓,尽情抒发玄奥的东方文化的神奇魅力。
二、古希腊风格
主体印象:给人以简朴、单纯及优雅之感。
古希腊是西方文明的发祥地,也是欧洲古典服饰风格的源头。早在公元前四世纪,希腊不仅在建筑、雕塑、哲学等方面取得了很高的成就,同时也创造出了无与伦比的服装式样,其造型优雅轻松、和谐自然,没有丝毫的奢华和矫饰,被世人称为是古典造型完美的典范。进入21世纪,人类开始对生态环保投入了更多的关注,古希腊服装自然的造型、披挂的方式、流动的线条、单纯的色彩正吻合了人们渴望返朴归真的心理需求。如:法国时装设计师玛德琳•维奥内特被称为是“设计师中的设计师”。她的设计具有古希腊风格特点,注重雕塑感,反对紧身衣等填充,体现女性自然身体曲线,松弛、浪漫和优雅。
三、巴洛克风格
主体印象:给人以夸张、浪漫、高雅、奢华之感。
巴洛克艺术产生于16世纪下半期,盛期是17世纪。巴洛克彻底打破了文艺复兴时期的艺术特点,在艺术形式上追求享乐主义思想,突出浓重的宗教色彩,强调新奇特和极具运动变化的戏剧感。在服装方面主要是指17世纪以法国为代表的欧洲宫廷服饰,造型宏伟华丽、色彩绚丽夸张。如:黎巴嫩时装设计师祖海•慕拉是黎巴嫩时装设计军团的领军人物,典雅奢华的巴洛克宫廷风格形式是他的标志之一。他的设计风格特点是剪裁简洁、线条柔美,面料和辅料集尽奢华,造型上追求极致的完美。
四、罗可可风格
主体印象:给人以纤巧、精美、浮华、繁琐之感。
罗可可(Rococo)反映了十八世纪法国路易十五时代宫廷贵族的恣情享乐生活方式。它是巴洛克时期式样的延续,两者之间的主要区别是巴洛克服装雄健、奔放,罗可可服装艳丽、优雅。在造型上两者都强调女性的优美曲线,追求装饰及光影的变化,在表现题材上除了有花草、果实、波浪等外还加入了罗马和东方装饰形式。如:法国时装设计师克里斯汀•拉克鲁瓦被时装界称为是“调色大师”。他的时装秀向来都是一场华丽的视觉盛宴,精美的刺绣、丰富的色彩、闪亮的配饰及华丽的蕾丝极具罗可可古感风貌。
五、未来派风格
主体印象:前卫、时髦,体现了浩瀚宇宙神秘之感。
50年代以来人类就从来没有停止过对宇宙太空的探索,人类从最初的能把人造卫星送入太空,到阿姆斯特朗等人登月成功,直至今日人类能够乘坐航天飞机前往太空旅游,实现了人类遨游太空的梦想。因此未来太空服饰热潮多年来持续不断,许多表现未来主题的艺术流派也应运而生。在服装造型上,这类主题的作品具有构筑式硬质材料拼接和几何学直线运用的设计特征,彻底否定了传统造型的构成方式,强调简练的设计语言,材料运用比较丰富。
如:英国时装设计师亚历山大•麦克奎恩的设计理念匠心独具,在面料的选择上常用许多新奇的高科技面料。他的未来派时装设计给人以独特的视觉享受,仿佛置身于宇宙星际之间,令人惊异难忘。
六、朋克风格
主体印象:给人以一种强烈的、刺激的、恶俗的前卫服饰倾向。
朋克(Punk)最初是指一种摇滚乐,诞生于七十年代中期,并且很快在英美两国得到了蔓延。当时由于二战后上世纪工业危机,社会下层年轻人对生活现状不满,对未来失去了信心,他们用自己特立独行的装束风格彰显自己,提倡“性和颠覆”表明与主流文化的不同,最终形成了朋克风格。朋克服装风格在设计上,多以异国、异教服饰为设计元素,强调奇特和个性。在装束上不拘一格,如:有废旧的垃圾、金属、骨质品等,在图案的选择上更是令人毛骨悚然,如:人骨头、蟒蛇、毒蝎等,在发型上也很怪异,如:常见形式有光头、染发、纹身等。
如:英国时装设计师维维安.维斯特伍德被时装界称为“朋克之母”。她设计的服装具有强烈的后现代反叛精神和独特的创新意识。她颇能掌握时代精神,将叛逆的元素融入作品之中。她极强敏锐的洞察力和敢于突破传统陈规的胆识,彻底改变了人们的审美方式和着装方式。
七、解构主义风格
主体印象:给人一种反对称、反完整以及打破原有成规的服饰印象。
解构主义(Deconstruction)可理解为有分解与构成结构的含义。它产生于20世纪60年代,是由法国哲学家•德里达为代表所提出的一种哲学理论,波及人类文化的方方面面,对哲学、文学、建筑学等方面产生了深远的影响,推动了后现代主义的产生与发展,也是整个后现代思潮最重要的理论源泉之一。在服装设计领域解构主义风格从20世纪70年代兴起,80年代开始传播。特点是把原有服饰结构进行破坏和重组。在造型上避免出现常规完整的对称形式,结构后的结果体现了服饰疏松零散、支离破碎、变化层出、耳目一新的效果。
如:比利时时装设计师马丁•马吉拉被时装界称为解构怪才,“解构主义大师”。他一向以解构及重组衣服的技术而闻名,他锐利的目光能看透衣服的构造及布料的特性。他的每件作品背后都隐藏着无穷无尽的 想象力 。
参考文献:
[1]21世纪国际时尚品牌礼服,主编:华梅,中国时代经济出版社,北京,。
[2]时装设计艺术,主编:刘小刚,中国纺织大学,上海,。
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我国的戏剧人物服装艺术历史悠久,艺术积淀丰厚,是戏剧艺术的重要组成部分,是整个剧目演出主要参与者,在二度创作中与导演、舞美、灯光、演员、道具、化妆等部门共同完成剧目的创作演出任务。戏剧服装有传统戏服和现代戏服之分,我市儿童艺术剧院还有卡通剧和儿童剧之分。戏剧服装设计坚持继承传统与创新的有机融合很重要。一个戏剧服装设计者,需要对生活有深远的认识,对艺术有丰富的修养,对形象有独特的追求。作为戏剧服装设计者,分析剧本是当务之急,犹如军官指挥作战首先要研究作战方案一样。我认为首先是分析时代背景,二是分析人物形象,三是分析主题思想和分析矛盾冲击。分析时代背景是为了更加准确地把握时代脉搏,正确地理解时代风情。分析人物形象是服装设计者应格外重视的环节,给人物分类和定性,把握住人物这个要领,才能选定符合人物的服装来。主题是作品的灵魂,主题思想是作品的灵魂的意义(综合艺术的部分)都必须为主题服务,服装也不例外,掌握戏剧矛盾冲突可以恰如其分地通过表现剧中人物的国度、民族、身份、年龄、性格以及剧中特定的时代、地域、季节等。如我院的儿童剧和卡通剧也是有一定差异的,儿童剧要在服装上、生活化、现代化一些,卡通剧在服装上要夸张一些,按戏剧所独有的艺术加工方法,提炼生活、超越生活,创作出能为戏剧人物传神抒情的艺术化服装。实际上戏剧服装已经成了一种表演工具与表演艺术融合成为一个不可分割的艺术整体,它必须同舞台其它部门相互协调才能获得完整的艺术效果。人物的年龄、身份、职业等特点,一般都是通过服装来表现的。服装只有通过演员才能在舞台上完美展示。没有舞台灯光,就不可能渲染情节,烘托气氛,因此一台好戏没有编、导、演、舞美、灯光和服装等部门整体构思,通力合作,是不会成为一部完善的艺术精品的。旧衣服未必不如新衣服,旧衣服由于穿了一段时间,衣料不再支楞了,穿在身上自然随和了;新衣服上可能加了一些流行的因素,可能是多了一些华丽的亮片,下摆加了浪漫的流苏,领子或袖口镶上精致的飞边,载剪却不一定合身,也不一定适合穿者的气质。在艺术创作空前繁荣的今天,传统艺术还能仅仅停留在昔日的辉煌中吗?人们渴望富有新意的传统艺术创新作品所带来的心灵震撼。传统艺术作品的创新在一些方面也如同旧衣的翻新,如不考虑艺术的形式风格,只是一味地求新求洋,生搬硬套某种艺术语言符号,势必会丢掉这种艺术原有的韵味和特色,这样的艺术创新的结果只会造成艺术风格的雷同。旧衣服肯定不那么时尚,可是由于它是量身订做,样式美观大方,风格独特,偶尔拿出来穿一穿,还是很舒适自然的。如果有心稍加改动,很可能再次领导时尚潮流呢!任何一种意识形态能被称之为艺术,它的存在肯定不是偶然的,通常都是历经成百上千年的变化,历经坎坷,承载着历史,不断吐旧纳新的结果。从这一点来说,艺术本身并没有新旧之分。艺术是历史发展的过程,艺术的发展进步靠的是艺术作品的发展进步。优秀的艺术形式如果不进行作品的创新,就会成为一件旧衣服,人们会偶尔拿出来穿一穿,再后来就会束之高阁。就像我国的一些传统手工艺,做出来的东西是很好,可是由于制作速度慢,浪费人力,样式过于守旧,青睐它的人也就越来越少,以至很多手艺现在已经失传,可见传统艺术要有创新作品。我想起了几年前赵丽蓉与巩汉林合演的小品《如此包装》,相信大家都有印象,讲一位老评戏演员与一个演出公司签定评戏演出合同。演出公司为了迎合一部分观众口味,盲目赶时髦,对评戏进行了一系列的改革包装,结果是把传统的评戏改的面目全非,令人啼笑皆非。传统艺术要创新,关键是如何创新。现在的一些艺术创新太过于表面化,究其原因有二:一是对传统艺术认识不足;二是市场经济下一味追求标新立异的炒作。有一段时间,在书法艺术创作上出现了一种潮流,即把书法和抽象的色彩、图象结合起来。在外行人眼里看来,这样的书法作品挺有视觉冲击力的,比单纯的白纸黑字强多了,引得一些对书法艺术一知半解的人争先效仿。可是冷静地分析一下就会发现,色彩和图形的添加不能造成书法艺术质量的提高;还有在最近的一些演出中常看见一些腰间挂着二胡等民乐器边跳边拉边唱的情景,一改一般民乐演奏原地坐着的形式,的确让人感觉很新鲜。但是仔细分析起来,把乐器和形体结合起来,搞舞乐,只能是适合一些特定的节目,而对演奏的本质所在——声音的质量、情感的表达、音调的准确等方面的贡献是谈不上的,不能说是对民族乐器演奏的改良创新。历史上对艺术的改良创新从来就没有停止过。秦朝统一六国文字,促进了中华民族经济文化发展、民族的融合;马远、夏圭都是南宋山水画家,他们共同的特点是善于在章法上大胆取舍剪裁,描绘山之一角水之一涯的局部,马夏山水突破全景程式而画边角之景,被称为“马一角”、“夏半边”。这是对艺术的高度提炼,把富有感情色彩的景物加以突出,使画面情景交融,富有浓郁诗意,是对传统山水画的发展和丰富;由鲁迅先生倡导的新文化运动开创了中国白话文写作的先河。这些文化艺术上的创新在历史上留下了不朽的丰碑,而那些敷衍于世上,投人所好的作品繁华过后很快就会被人们忘记。用衣服同艺术打比喻,或许不够准确,但的确有几分相像。穿衣不一定要赶时髦,适合自己才最重要。可是很多人却觉得衣服不时髦就没有穿着的自信。也不管风格统不统一,颜色是否和谐,是否对穿者的体形起到扬长避短的作用,只要是流行的,穿在自己身上就一定漂亮。由此可见,只是单方面提高服装设计师的水平是不够的,还要提高穿者自身的修养。对于传统艺术,如果只是单方面强调提高艺术从业人员的水平,强调改革创新也是片面的。我们在不断提高我们的艺术水平,多一些创新的同时,还要扩大传统艺术的观众群,提高观众群的艺术修养。先从娃娃抓起,将传统艺术的学习普及化,让孩子稚嫩的笔下除了圣斗士天使,变形金刚之外,多一些中国的英雄;再在大学的课堂里开一些艺术选修课,可以开设戏曲艺术的赏析课,了解不同角色化妆的变化,戏服上的学问,唱腔的欣赏,主要演员的成长历程和主要作品;还可以开设民乐欣赏、民间美术欣赏、书法艺术欣赏课,欣赏的同时,还可以实践,让更多的人从旁观者变成参与者。总体来讲服装造型设计主要帮助演员完成剧中人物外部形象,赋予符合角色,并为角色传神抒情的戏剧服装。这就要求服装设计师具备较高的艺术修养和认识生活、美化生活的概括力,才能塑出典型的舞台艺术人物形象。